jueves, 30 de septiembre de 2010

Entrevista a ÚLTIMA EXPERIENCIA

"Normalmente escribes de lo que te llama la atención especialmente en un momento dado"


Última experiencia rompen con la expectativa prefijada sobre ellos. De actitud fresca, cañera, pelín reactiva y rockera, muy rockera, de hecho... su música, no lo es tanto. Y no implica que eso sea necesariamente negativo, es que Última experiencia son mucho mas que una banda de rock madrileña al uso. Miguel, vocalista de la banda, amante declarado del blues, imprime un carácter definitivamente personal a una banda con proyección que vuelve este viernes, una vez mas, a la sala de referencia de la capital. Hablamos con él y con José Alberto en un céntrico café cerca de Fuencarral.

1 de octubre. De nuevo en El Sol.


(Miguel) Y con muchas ganas.


¿Cómo fue la experiencia de julio?


Muy bien, tanto El Sol como los conciertos de este verano, nos tratan muy bien cuando nos vamos fuera. Musicalmente creo que ha sido nuestro mejor concierto allí. Lo que se grabó quedó espectacular, a la gente le encantó. Además, lo está buscando, hay quien nos dice: “tengo la grabación del de Zaragoza, pero pasadnos el de El Sol”, la verdad es que suena muy bien.


(José Alberto) De las mejores grabaciones que tenemos, sin duda. No está bien decirlo (Risas) pero el EP está ahí ahí con este directo. La idea fue de La Pera Records. Manolo (La Pera) es un tío que controla mucho lo que se mueve por EEUU, ha hecho muchos viajes por Nueva Orleans. Los grupos que prácticamente viven de gira creen que lo mejor es editarse los conciertos que van haciendo en el momento porque casi no tienen tiempo de pararse a grabar un disco.


(Miguel) En España no me sonaba de nada haber visto algo así, y creíamos que se podía hacer y que podía funcionar.


Tres meses nada mas entre ese concierto y el de esta noche en El Sol. ¿Qué novedades nos vamos a encontrar?


Esperamos meter algo de material nuevo. Tengo la esperanza de llegar a tiempo para meterlo. Nos va a acompañar en el escenario Albert Sans, que es un tío que mola. La banda dará de nuevo el cien por cien.


(José Alberto) Hemos hecho un pequeño parón, pero en verdad es como si este fuera el siguiente concierto después del que hicimos en El Sol. Hemos rodado este verano por Cádiz...


¿Y eso? Quiero decir, que habéis hecho varias fechas allí este verano. ¿Por qué?


(Miguel) Lo primero es que queríamos irnos allí de veraneo (Risas). El siguiente paso fue buscar las salas, y por allí no solemos tener demasiado problema, tenemos buenos contactos.


En tu caso, Miguel, aprovechaste en solitario eso que dices de hacer blues de blancos con alma de extrarradio...


(Risas) Bueno, pero eso lo hice aparte del proyecto Última experiencia. Siempre estoy tocando blues, blues y blues. Y tenía un colega que me dijo: “vente un día con la guitarra y te haces aquí un bolo”. Claro, meterme yo solo con una guitarra y una voz allí no lo vi mucho al principio. La cosa salió para alante y la verdad es que surgieron unos cuantos conciertos. Todos de versiones.


Respecto a algunos textos vuestros, hay muchos que se basan en esas experiencias, esas con las que bautizáis al grupo, y que son tanto positivas, como negativas. ¿De cuales habéis aprendido mas?


De las dos. Normalmente escribes sobre lo que te llama la atención o lo que sientes de forma especial en un momento dado. En Ave Fénix estaba de bajón, pero también intentaba darme ánimos a mí mismo.



¿Os planteais en un momento dado editar un disco al completo?


Si te soy sincero, me lo estoy empezando a plantear.


(José Alberto) Bueno, eso es hoy, se lo está planteando ahora, porque ayer dijo todo lo contrario. (Risas)


(Miguel) No, sinceramente, la idea era un poco: el álbum ha muerto y ya está. Pero el otro día en una entrevista nos dijeron: “yo escucho el EP y me quedo con ganas de escuchar algo más”. La idea de La Pera es que está muerto el concepto y a mí me habían convencido, pero ahora estoy pensándomelo.


(Jose Alberto) Lo que sí que es verdad es que para promocionarse hoy en día, salir en las radios y dar conciertos no es necesario un disco editado con dieciséis canciones. También hacemos los directos grabados, para que la gente pueda tener todas las canciones. El caso es que tu sacas un disco cada cierto tiempo, con una función, y es caro, bastante caro. Un EP se puede tardar menos en sacarlo y puede ser más dinámico el hecho de que cada poco tiempo tengas cuatro temas.


¿Qué expectativas tenéis para este otoño?


(Miguel) El nuevo single va a ser Ave Fénix y vamos a centrar la promoción en esa canción.


Es una diferencia considerable entre el primer single y el segundo.


Si, pero eso también es positivo, y así os despistamos un poco. Venimos con la cantinela desde hace años de que somos un grupo muy muy rockero y creo que la cosa se ha edulcorado mucho con el tiempo, estamos haciendo cosas mucho más americanas en este momento.


¿En qué han cambiado los textos en estos tres años?


Antes hacía letras para acompañar una melodía de voz, me importaba bastante poco su contenido. Ahora, todo eso ha cambiado, le echo muchas horas para cerrar algo que parezca interesante. Me gusta contar historias, decir cómo me siento y poner más énfasis en algunas cosas.

lunes, 20 de septiembre de 2010

Entrevista a MECHANISMO

“Hay que quedarse con la melodía, es la que te hace silbar”

Momento crítico para entrevistar a cualquier músico después de tocar. Mucho más si acabas de ofrecer el concierto presentación de tu primer EP ante una audiencia estimable en la Sala El Sol. Sebastian quiso hacerlo así, y veinte minutos después de tocar y ya arrancando Freak Mumy sobre el escenario, hablamos con él, uno de los dos vocalistas de este atípico proyecto en los camerinos de la Sala El Sol. Sinceridad a raudales, buenas intenciones y un EP que defiende con soltura y fluidez es lo que nos encontramos con Mechanismo. Durante la charla, fueron entrando y saliendo algunos miembros de la banda. Hablamos de conciertos, fotografías, incluso de sensibilidad artística. Sigue leyendo, porque igual descubres a un grupo de potencial ilimitado...

¿Con qué impresión te has quedado del concierto?

Para ser una presentación, le hemos puesto emoción y energía. Nos falta refinar algunos detalles, y esto se debe un poco al verano, cuando todo el mundo se va y es difícil juntarnos todos. Tenemos que apretar tuercas en varios aspectos, hay que defender los temas bien, cantarlos con pasión, emoción... la misma que tienen las letras. Nuestros textos son variados, los hay más pop, más oscuros, pero todos tienen un trasfondo visceral, genuíno.

¿Crees que esos textos pueden pasar inadvertidos entre nuestro público por una cuestión idiomática?

Puede ser, y es una pena. Una de las cosas que hacemos mejor son las letras, que tocan temas muy personales, pero también muy universales. Espero que haya gente que la entienda, y los que no, que se dejen llevar por la emoción que trasmiten los acordes, la melodía. Escucho algunos grupos japoneses o alemanes de los que no entiendo nada, pero me gustan, y aquí entraría el debate entre si importa más la letra o la música. Hay que quedarse con la melodía, en el fondo es lo que te va a hacer silbar.

Habéis grabado en los estudios Reno. Se nota en el sonido del disco...

Ganamos un concurso a finales de 2008, el Yuglo Live, una plataforma de artes plásticas y audiovisuales. Nos dieron seis días de estudio en Musigrama, donde grabamos la base de la mayoría de las canciones. En Reno las mezclamos, pero también grabamos algunas cosas. Empire Of Light es el único tema que no hicimos nosotros, lo grabamos con Josh Tampico. Lo masterizamos en Abbey Road. Para ser un EP, estamos contentos con el resultado porque los temas son distintos entre sí. Inside Out es, por ejemplo más popero, eléctrico... sin embargo Empire Of Light es mas oscuro, tirando a Radiohead.

¿Por qué mencionáis a Radiohead también en vuestra carta de presentación? ¿Influencia personal? Porque no se termina de ver en el EP...

Sí, hay algún tema mas oscuro que sí tira por ese lado.

¿Llevaríais más al extremo estas canciones? Llevar al límite las ideas iniciales que habéis plasmado en este EP, aunque sea solo en directo...

Por eso te decía que un EP es un producto cerrado y lo que tiene que demostrar es el potencial del grupo. En un disco hay mas tiempo, mas medios, puedes permitirte ser más experimental y llevar las canciones un poco más allá. El EP es un punto medio entre algo que es agradable, comercial, pero no es chicle, y encontrarlo es difícil. Lo importante es que los temas sean buenos, después los puedes grabar de mil maneras.

¿Caerá pronto un primer disco?

Depende de muchas cosas, material sí que hay. Con este EP lo que queremos es acceder a festivales, concursos y darnos a conocer un poco, por eso no tenemos intención de venderlo tampoco. Una inversión para crear una base de fans y el siguiente paso será grabar el LP, aunque a largo plazo. De momento, queremos que la gente sepa cual es nuestro sonido.


¿Crees que lo resumís bien en estas canciones?

Si. El EP demuestra que hay variedad, y que, en todos los campos se puede avanzar mas, en directo y a nivel de composición. Mechanismo es un grupo de contrastes, por eso tenemos dos voces, hay momentos más acústicos y otros totalmente rompedores, que juegan con los distintos volúmenes. Tener dos voces es un elemento diferenciador, a veces echamos en falta que la voz sea un instrumento mas en los grupos de hoy en día.

¿La portada es aleatoria?

No, todo viene por el título: Empire of Light, que nos parecía algo muy grande, luminoso... Al principio, pensamos en reflejar eso pero nos gustó la idea de mostrar algo que fuera totalmente opuesto, un contrapunto entre la imagen y el título del disco. Buscábamos una foto triste, desgarradora y la de la portada pertenecía a una serie de fotos que se hicieron en los años 30 en la Gran Depresión Americana, que retrataban las zonas más devastadas económicamente. En la Library Of Congress de EEUU hay una colección enorme de fotos sobre este tema y sobre muchos otros, y esta nos impactó especialmente. La portada no te deja indiferente y me parece una buena oportunidad de transmitir arte no solo a través de las canciones. Cuando estuve en Venecia vi un cuadro que se llama Imperio de Luz, un cielo que se muestra de día, unos árboles y una casa. Y debajo de los árboles es de noche. Era una cosa sutil, no sé si lo pillará nadie, pero en eso está inspirada la foto de la contraportada. con las portadas también podemos decir algo, no hacer la típica chorrada llena de retoques y photosop.

¿Con quien os gustaría compartir escenario?

¿En fantasía?

O en realidad.

Nos gustaría estar dentro de Sonorama o el Primavera Sound. Poder sorprender a un público indie que quizá no esperaba que saliera un grupo como Mechanismo. Compartiríamos escenario con quien haga falta, pero nos molaría hacerlo con The Divine Comedy. JF Sebastian nos gustan mucho también. Bandas como esta en la que hay tanto instrumento, tanta sutileza... a veces resulta difícil emparejarlas. Musicalmente, son complejas.

¿Necesitáis la visión externa de un productor para el futuro?

La experiencia con Josh Tampico ha sido muy buena. Tenemos muy claro bastante el sonido que nos gusta. No te podría decir ahora un productor con el que me gustaría trabajar. De hecho, nuestro disco, cuando lo hagamos, será auto producido, confiamos en nuestro gusto. También es bueno que alguien, desde fuera, te dé otra visión. Del conflicto creativo siempre se pueden sacar cosas positivas.


MECHANISMO actúa este jueves en la Sala Taboo de Madrid, dentro de la nueva iniciativa Ziggy Indie Club

Escucha a Mechanismo AQUÍ

miércoles, 15 de septiembre de 2010

Camaleones EMERGENTES - Ecuación Planck

ECUACIÓN PLANCK - Ecuación Planck (EP)

***1/2 / *****


La ecuación Planck tiene cinco factores en forma de músicos: Jorge, Pepe, Juanma, Ana y Luis; y seis incógnitas que despejar, las que completan su primera entrega, homónima. Tras escucharlas, el resultado es inmediatamente favorable y prometedor. En este quinteto no caben demasiadas pretensiones. Se agradece que las canciones sean notablemente inmediatas, suficientemente sinceras – a veces, demasiado- y bastante heterogéneas, para que este primer EP cumpla su función: ensalzar virtudes, evidenciar carencias y exponer el potencial del grupo, a septiembre de 2010. Y ojo, que éste no es precisamente limitado.

Seis entregas de pop mas o menos melancólico, discursivo, bien construido con dos puntos fuertes: Los Clash y Lo Incierto. El ganador abre la veda, pero... una pregunta: ¿solo a mí el puente de la canción me recuerda a Mago de Oz?

Los Clash es quizá la mejor muestra del sonido en conjunto de la banda. Urgente, eléctrica, nocturna. Por eso es lo mejor de este EP homónimo: “Ando renqueante, de una trifulca a destiempo”. La guitarra, contundente y rompedora, dirige dos minutos y medio en los que da tiempo a todo, incluso a convencer escépticos.

Poca tregua: en seguida, arranca una oscura Sangre en tus manos. “Porque te empeñas siempre en incendiar el monte en cuanto todo empieza a crecer” que, todo hay que decirlo, según avanza va cayendo en picado.

Lo incierto es la más folkie: un formato acústico-bucólico (ellos se lo han buscado por esa portada) – Pentangle le iría que ni pintado, la mejor construida...de lejos. Huyen de los textos fáciles, sí, aunque todas las letras van dedicadas (y dirigidas) como dardos a una segunda persona, algunas de forma más sutil, otras veces, más borrica. “Me da pereza poner letra a mis canciones, solo encuentro musas de cartón”.

Goodbye Revolución, de título engañoso y Tu peor pesadilla, que engancha menos de primeras, pero que tiene la letra más explícita y unas armonías vocales de altura cierran un EP que supera con creces la dignidad y que, incluso, deja con una expectativa considerable de lo que pueden llegar a hacer a medio y largo plazo.

Escucha AQUÍ a Ecuación Planck

sábado, 11 de septiembre de 2010

CRÓNICA - Vinodelfin - Sala La Boite

Épica cercana y emotividad en las distancias cortas

*****


Con el paso de los meses y, sobre todo, de los conciertos, Vinodelfin han desarrollado un grado de complicidad con su público que sobrepasa cualquier expectativa, y que pone en evidencia casi cualquier ejemplo paralelo, por masivo que sea del panorama actual.

Porque su público se merece todos los adjetivos positivos posibles, salvo el de “numeroso”. En los últimos meses, la banda ha pasado en la capital por el Fotomatón, el Contraclub – dos veces -, el Costello, el Teatro Lara y ahora la Boite. Y en ninguna de las citas había mas de cincuenta o sesenta personas. El viernes no cambió mucho la cosa: medio centenar, aunque en la sala caben quince o veinte decenas mas. Eso sí, cada persona que había el viernes allí, valía por cinco.

Picando piedra, construyendo su camino baldosa a baldosa y ofreciendo shows cada vez más sólidos, Vinodelfin se han convertido en la gran incógnita del under nacional. ¿Por qué no dan un paso más allá? Posibilidades y condiciones las tienen de sobra. Para empezar, buenos instrumentistas. Fluren toca el teclado con la misma facilidad y fluidez con la que tú respiras, Pablo Lacolla le pega con una contundencia a la batería que levanta a la banda un par de centímetros del suelo un par de veces por canción.

Alberto es discreto, sonríe y saca el mejor sonido posible a su guitarra, llena de pasajes melódicos de lo más enérgicos, cargados de épica emotiva, grandilocuencia y perfección. Igual que Matías Luna, en su papel, sin fallar, siendo el complemento perfecto de Lacolla, otra pieza imprescindible de la maquinaria. Y al frente de todos ellos, Marcos, un gran cantante y escritor capaz de hacer elegantes y emotivas palabras que, en boca de otros, sonarían con un excesivo regusto edulcorante. Quizás ayuda que es algo excéntrico/histriónico en sus formas y maneras de atacar las canciones (no en su ropa, que cada vez es más hippie).

A lo largo de hora y media su pop vitalista y esperanzador de la escuela Elefantes cobra fuerza y carácter de banda de rock: esos punteos a lo Radiohead, esas versiones con finales espectaculares de Reconocer o Habrá salida, incitan al aplauso instintivo y a la admiración inmediata.

Hay momentos más recogidos: Amaros, íntima, mas bien delicada, que el público recibe como si se tratase de su rincón personal favorito. O Espejos, onírica, oscura, reducida a lo mínimo transmitiendo a lo grande. Hubo tiempo para recordar Perfecto en la locura, y comprobar, que, afortunadamente, han mejorado mucho con el tiempo. Mariposas se convierte en toda una descarga colectiva de buen rollo (no en modo secta), Caballo soy, en un derroche importante de poder vocal y Nieve, en un cúmulo constante de sinceras declaraciones de intenciones.

Hay que ser sincero, el sonido de la céntrica sala no estuvo a la altura en ningún momento, aunque al final los desajustes de sonido se convirtieron más en anécdota que en otra cosa (para el público por lo menos, a ellos a lo mejor no les hizo ninguna gracia).

El futuro (comercial) de la banda es una incógnita. En el terreno, llana y meramente artístico, juegan en otra liga desde hace mucho tiempo.

viernes, 10 de septiembre de 2010

CRÓNICA - Josh Ritter - Sala El Sol

Ritter: las (muchas) luces y (pocas) sombras de su estimable tratado del folk yanqui

***1/2 - *****

La noche de ayer no era la primera vez que Josh Ritter actuaba en Madrid. Ya había probado suerte en calidad de invitado con The Swell Season el pasado febrero. Incluso hace dos años se dejó caer por el Moby Dick sin demasiada repercusión.

La de ayer era su noche, la que iniciaba una decena de conciertos por toda Europa con dos armas tan escuetas como poderosas: su guitarra y su voz. Y además, una serie de complementos adicionales: una sonrisa constante de “bonachón”, una fluidez comunicativa que se mantuvo con su público, tanto en sus discursos entre canción y canción como en la propia distribución del repertorio, alternando cal y arena, jugando a sabiendas con el estado anímico de los presentes. Y también una sonrisa incrédula ante las más de 300 personas que anoche, por primera vez en España, habían ido a verle a el, sólo a el.

Y eso que Dawn Landes, mujer de Josh y más que estimable dama folk, dejó con la boca abierta a mas de uno. No fue discreto el comentario extendido a lo largo de la velada sobre ella: “Landes se ha llevado de calle el concierto”. Con todo, el protagonismo era anoche evidentemente de Ritter, que puso sobre la mesa su condición de pequeño gran clásico de la canción norteamericana contemporánea.

Mejor, infinitamente mejor guitarrista que cantante, desgranó buena parte de su última obra: So runs the world away. Caló mas hondo con Wolves o Snow is gone, que con los temas nuevos, aunque no hubo una diferencia abismal. Para él al menos, que espetó catorce amazings a lo largo de la noche, sonrisa profident – y agradecida- por bandera.

Lo cierto que venir sin banda (por las razones comprensibles que fueran) limitó un poco la velada, y pasada la hora de su concierto, solo sus homenajes a Billie Holliday y Bruce Springsteen levantaban el vuelo y captaban hipnóticamente la atención de los presentes. Ritter remite, sin su condición de genio laureado, a M Ward, aunque también comulga con muchos manierismos de la escuela del singer song-writter americano, y ciertas gotas de minimalista y añejo blues rural.

Superar la veintena de canciones con a) unos recursos tan concretos y b) una holgada dignidad es digno de mención. “Pensaba que había venido a cortarme las vendas y estoy con una sonrisa tonta que no se me quita ni a tres tirones”, decía una treintañera de las muchas que había entre el público.

Kathleen, Monster Ballads, Rumors o In The Dark, a dúo con su esposa –y, como dice la canción... a oscuras- quedan en la memoria del logrado primer concierto de la temporada de El Sol. También su agradecido final, más inusual y sorpresivo que brillante (la idea de hacer un tema a capella bien, pero no iba muy sobrado de voz). Ahora, quedan ganas de verle con la banda al completo.

miércoles, 8 de septiembre de 2010

SHAKE YOUR MOVIE MAKER!! - Velvet Goldmine

Brillantina y lentejuelas entre los destellos de Bowie

Una película como “Velvet Goldmine” (1998) requiere algo más que la simple atención que se le presta a una obra cinematográfica normalmente, son tantos los detalles y matices escondidos en los entresijos que si te paras a pensar en algún pasaje de la misma es posible que se escabullan otros que aprovechan la huida mientras el espectador discurre en el porqué de las situaciones.

Dirigida por Todd Haynes, director de largometrajes como “Poison” (1997), “Safe” (1995), “Lejos del cielo” (2002) y “I’m not there” (2007) -de la cual hablaremos en futuras entregas-, incluso se puso al mando de la dirección del video de ‘Disappearer’, single de Sonic Youth, extraído del álbum “Goo” (1990). Para “Velvet Goldmine” se recrea el ambiente de la juventud británica en plena eclosión mod y del crecimiento del movimiento glam y de toda la filosofía de la época junto a la ambigüedad sexual. En el reparto salen a relucir nombres que por entonces eran casi desconocidos para el público general, así podemos ver a un jovencísimo Christian Bale, a un experimentado Ewan McGregor, pues recordemos que a esas alturas ya protagonizó películas de culto como “Trainspotting” (1996), a una casi irreconocible Toni Collette o al principal protagonista de la historia, Jonathan Rhys-Meyers encarnando a Brian Slade, una estrella del glam-rock que “muere” durante un concierto.


En 2005 Rhys-Meyers se encargaría de dar vida, esta vez en una recreación biográfica, a Elvis Presley, trabajo que pasó de puntillas con
más pena que gloria. ¿Y quien se esconde tras la producción ejecutiva? Pues nada más y nada menos que el señor Michael Stripe, líder de R.E.M. por lo que el puzzle terminaba por formarse. De la banda sonora hablaremos más adelante en este mismo artículo ya que toda ella merece una mención especial tanto por el contenido de la misma como por los súper grupos formados para la ocasión, pero vayamos por partes.

En este filme se narran, de forma paralela, las historias de un joven reportero británico llamado Arthur Stuart (Christian Bale) que va tras la pista del desaparecido Brian Slade y su álter ego Maxwell Demon (Rhys-Meyers) que como antes se mencionó, era una estrella del glam que en su momento cumbre muere asesinado durante un concierto ante cientos de espectadores, entre ellos, Arthur Stuart. Para recolectar pesquisas, el joven reportero, pasados muchos años, se entrevista con antiguos compañeros de aventuras del desaparecido Slade; su representante Jerry Divine (Eddie Izzard), así como con Curt Wild (Ewan McGregor) amante y amigo de la estrella o su ex – mujer Mandy Slade (Toni Collette). La estructura es algo extraña para el neófito en estas artes, pues debido a sus saltos en las historias y los flashbacks puede llegar a desbaratar el esquema principal que el espectador llega a tener en mente, al igual que ocurriría con la narración de “Ciudadano Kane” (O. Wells, 1941).


Reseñables son los escarceos de Arthur Stuart durante su adolescencia con la homosexualidad –impagable la escena en la que se masturba viendo fotos de Slide junto a Wild hasta que es sorprendido por su padre- o los cambios estéticos gracias al recargado maquillaje que dictaba la moda. En si, el comienzo es un tanto extraño, un platillo volante sobrevuela el cielo mientras Oscar Wilde, todavía bebé, es entregado en adopción. ¿Por qué Oscar Wilde? Bien, como mezcolanza de varias ideas y visiones, “Velvet goldmine” está muy influenciada por el punto de vista y la vida del escritor irlandés, entre otras referencias e inspiraciones como textos y reflexiones de Wilde en “El retrato de Dorian Gray” del cual se nutren los diálogos del guión. ¡Ojo! Quien piense que esto es un biopic es que anda muy desencaminado. Para más señas, Bowie no fue un gran ídolo de masas en aquella época, mientras que Slade es una afamada estrella que tra
ta de escabullirse de entre los seguidores.

Vidas paralelas, vidas cruzadas y truncadas, de esta manera podemos ver en las vidas de los protagonistas los reflejos espectrales de los iconos glam; Brian Slide es una clara inspiración en David Bowie tanto en estética como en los momentos relatados dentro de la película, incluso el asesinato de Slade aka Maxwell Demon, es un guiño a la caída del personaje creado por Bowie, Ziggy Stardust. Un evidente Iggy Pop es Curt Wild, líder del provocador grupo The Rats, nombre, también del primer conjunto de Mick Ronson, guitarra de “The spiders from Mars”. También son descaradas las similitudes y parecidos e incluso encontraremos referencias a Marc Boland y Lou Reed cuando Arthurt Stuart, todavía adolescente es llevado al hospital para ser “curado” de su homosexualidad a base de electroshock, tal y como le sucedería a Reed. ¿Tanto hay de Bowie? Hombre, pues para empezar, la película es el título de una cara-B del Duque Blanco que fue grabada durante las sesiones de “The rise and fall of Ziggy Stardust and the spiders from Mars” en 1971, pero las curiosidades no se quedan solo ahí, en una de las escenas, una niña va recitando el poema de William Hughes Mearns, “Antigonish” texto que sirvió de inspiración a Bowie para componer ‘The man who sold the world’, esto es otra base clave en la película, pues las menciones, guiños y demás homenajes a novelas de clase distópica son constantes; “1984” (G. Orwell, 1949) o “Fahrenheit 451” (Bradbury, 1953) o “El Principito” (Antoine de Saint-Exupé
ry, 1943) cuando Brian Slade luce un traje similar al del personaje del cuento.

Entrando en detalles y leyendas urbanas, en el pasaje de la historia cuando la que es todavía mujer de Brian Slade, Mandy, sorprende a su marido en la cama con Curt, provocando así el divorcio inmediato. Este hecho guarda similitud con la –supuesta- situación vivida por Angie, ex esposa de Bowie, cuando esta descubre a su esposo y a Mick Jagger en la misma cama. Rumore, rumore… Como dato curioso; Iggy Pop no se opuso al rodaje aunque en el se muestre un idilio entre Slade y Wild, cosa que nunca ocurriría entre Bowie e Iggy, incluso la discusión que separa a los dos protagonistas nunca llegó a ocurrir en la vida real pues aunque tuvieran disputas, Bowie siguió produciendo y trabajando con Iggy Pop, pero claro, vuelvo a repetir que esto no es un biopic.

Otro detalle “bowiesco” y del cual uno tiene que estar muy pendiente es de la midriasis que sufre el jefe de Arthur Stuart, un ojo de distinto color al otro, tal y como los tenía el autor de ‘Space oddity’. Un simbolismo gráfico que, servidor, observó mientras visualizada esta gran obra era que la portada del disco de Brian Slade “The ballad of Maxwell Demon” es prácticamente similar a la sexta entrega discográfica del camaleón, “Diamond dogs” (1974) y donde reza: “To be played at maximun volume”, de igual manera que aparecería en “The rise and fall of Ziggy Stardust and the spiders from Mars” (1972). ¿Y quien se podría esconder detrás de otros dos personajes clave de la película como son Jack Fairy, oscuro personaje al que todos admiran y de Jerry Divine, mánager de Slade? Pues del primero se dice que está inspirado en Little Richard de manera figurada y también y la más lógica por estética, en Brian Eno. De hecho, el pseudónimo de Slade, Maxwell Demon, es el nombre de la primera banda que formaría Eno. ¡Hasta “Slade” era un grupo de glam de los años 70! Del segundo está claro, Jerry Divine entra en el roll de Tony Defries, quien antes de ser mánager de Bowie, Reed o Iggy Pop, también trabajó con The Beatles o Rolling Stones. Otra cara conocida que veremos es la de Brian Molko, frontman de Placebo que se deja caer en escena con el grupo Flaming Creatures haciendo de Marc Boland y sus T.Rex.

¡Lo olvidaba! En algún momento del filme aparece otra referencia a una mítica película de 1979 basada y titulada igual que la ópera-rock que cierto grupo británico editó en 1973. Pista: Muro y Vespa. Ahí lo dejo.

Y pasamos de analizar la película para ahondar ahora en su fantástica banda sonora, también rica en detalles y matices tanto sonoros como en aspectos significativos. Stipe toma aquí también las riendas de esta parte y como tal, la selección de temas escogidos para formar la música de la película es fundamental contando con clásicos del glam. En un primer momento se pensó en utilizar las canciones originales de Bowie, pero el escurridizo músico, tras leer el guión se negó en rotundo. Para empezar, se forman dos grupos exclusivamente para componer e interpretar las canciones del largometraje:

-The Venus in Furs; banda que acompaña a Brian Slade bautizada de igual manera que un famoso tema de la Velvet Underground que podemos encontrar dentro del long play “Velvet Underground & Nico” (1967). Bajo esta banda de músicos escogidos para tal ocasión se esconden: Thom Yorke y Johnny Greenwood (Radiohead), David Gray, Bernard Butler (Suede), Paul Kimble (Grant Lee Buffalo) y Andy Mackay (Roxy Music). Versionan de manera brillante grandes temazos del glam, tales como; ‘2HB’, ‘Ladytron’ y ‘Bitter sweet’ de Roxy Music, ‘Tumbling down’ de Steve Harley y por último ‘Baby’s on fire’ brutal creación de Brian Eno.

-Wylde Ratttz; conjunto de Curt Wild en la cinta y que también guarda similitudes con The Stooges. Lo que en un principio se formó como un proyecto para tocar un solo tema dentro del film, terminó siendo un super grupo que grabó una buena ristra de temas propios junto a versiones de The Stooges. Finalmente y por problemas legales se quedó sin ver la luz por lo que es un objeto de coleccionista muy codiciado. Paso a presentar a esta banda sin precedentes: Thurston Moore y Steve Shelley (Sonic Youth), Ron Asheton (The Stooges), Mike Watt (Minuteman), Mark Arm (Mudhoney), Don Fleming (Gumball), Jim Dunbar, Sabir Mateen y Sean Ono Lennon. Estos all-star solo graban para “Velvet goldmine” la canción de Iggy Pop & The Stooges ‘T.V. Eye’, corte original que encontramos en “Fun House” (1970).

Del resto de piezas que componen el plantel de tracks recogidas en esta selección tenemos las versiones originales; ‘Needle in the camel’s eye’ (Brian Eno), ‘Virginia plain’ (Roxy Music), ‘Satellite of love’ (Lou Reed), ‘Diamonds meadows’ y ‘Cosmic dancer’ (T. Rex) y cerrando el apartado de creaciones originales ‘Make me smile (Come up and see me)’ (Steve Harley). Pero como antes he comentado, la riqueza en detalles es impresionante y si para este montaje se organizaron dos bandas no podían faltar las composiciones exclusivas para tal fin donde la banda de post-hardcore, Shudder to Think aportaron ‘Hot one’ y la exquisita ‘Ballad of Maxwell Demon’, los Grant Lee Buffalo entregan una sensacional pieza titulada ‘The whole shebang’, ‘Velvet spacetime’ corre a cargo de Carter Burwell y por último Pulp, que interpretan ‘We are the boys’. Y para terminar, las versiones de ‘20th Century boys’ original de T. Rex y que Placebo interpreta de manera sublime, Teenage Fanclub se marcan a medias con Donna Matthews de la banda britpop Elástica, el cover de The New York Dolls ‘Personality crisis’ y como dorado y glamoroso broche suena ‘Bitter’s end’ un mano a mano entre Paul Kimble y Andy Mackay.


Poco más que añadir, merece la pena bucear en este gran largometraje como para buscarlo, pues está descatalogada, como para visualizarlo. Pero merece muchísimo la pena dejarse atrapar por la magia del glam y las ensoñaciones entre brillantina y boas de plumas que subyacen en “Velvet goldmine”.

Charly Hernández para EL CAMALEÓN
FOTOS: Archivo

martes, 7 de septiembre de 2010

Camaleones EMERGENTES: Amnesia

AMNESIA – Teorema de Iniciación (EP)

*****

No deja de ser de una brutal honestidad bautizar este EP de Amnesia como Teorema de la Iniciación. No es su primera zancada en el mundo de la música, pero sí la primera de la que se pueden sentir orgullosos. Iluminados en el camino por Josema Dalton (de los Hermanos Dalton), el cuarteto de Puerto Real (aunque ensayan en Chiclana -Cádiz- y, por sonido, parecen de Granada) resumen un año de conciertos y experiencias en siete canciones llenas de buenas intenciones y resultados agradables.

Hay coherencia en este teorema, quizá demasiada para su propuesta estética. Y dos tipos de canciones: las enérgicas, guitarreras y más guerreras por un lado; las más reflexivas, narrativas y con regusto retro por otro.

Destaca un hit popero por encima de todos, al menos, por accesible e inmediato. El estribillo de Termostato Bipolar
podría opositar sin problemas al karaoke popular, marca de la casa por excelencia de todo buen festival pop que se precie. Igual que la adictiva percusión de Infierno Polar, que abre el EP. O Vuelta de tuercas que lo cierra: “soy la enésima potencia mundialista, tengo todos los huesos a la vista”

También hay algo de profundidad, pequeñas declaraciones de intenciones: Arder sin querer: “aun no soy del todo consciente de cuando dejo de ser objetivo y afable”, quizás la mejor de las siete canciones, aunque se haga un poco larga. O El mobiliario de mi burbuja... imagina que David Summers se volviera extremadamente oscuro y llevara su personal voz al extremo. Así es la de Rafa Castañeda (vocalista) en este tema.

“Tengo tanto por hacer, tanto que ordenar...”. Así reza precisamente uno de los versos de esta canción. Nada mas lejos de la realidad en conjunto, aunque este sea un buen punto de partida, un gran punto de partida.



- My Space de Amnesia

lunes, 6 de septiembre de 2010

Entrevista a MAGA

"Para ser moderadamente feliz, tendría que vivir tres meses en cada ciudad"



A la hora del Sol no es un disco fácil. No para los seguidores de Maga, acostumbrados a un estilo polar, mucho menos luminoso de lo que nos tenían habituados. Quizás ahí reside la virtud más reseñable de este nuevo largo: su capacidad para convencer con el paso del tiempo, de hacer ver que estamos ante un gran trabajo de un grupo que, si no empieza de cero, sí lo hace desde abajo, tímidamente, para volver a crecer poco a poco, tras una crisis interna que ellos mismos denominan "parón técnico". Hemos hablado con Miguel Rivera y Javier Vega de buena mañana en las oficinas de Mushroom Pillow, su nueva agencia de promoción. Son campechanos, hablan sin grandes adornos y están contentos con el resultado de su nuevo disco. Y lo primero que cae, es, evidentemente el espectacular diseño del vinilo del disco, de lo más cuidado.

(Miguel) El vinilo es una de las cosas en las que la humanidad no involuciona. Volvemos a algo antiguo que e
ra mejor, una buena moda. Generalmente, se ponen de moda cosas peores, pero el vinilo suena mejor y además es precioso. Imagínate esta portada (de Juan Miguel Redondo) por cuatro... es para colgarlo en tu cuarto, tienes una reproducción del cuadro en tu cuarto por la puta cara.

¿Este disco tiene estructura interna también de vinilo?

Sí, de hecho el orden del vinilo es diferente al del CD.

(Javier) Nos gusta mucho la importancia que se le daba a la primera de la Cara B y la primera de la cara A.


(Miguel) Hicimos primero el orden para el vinilo y después lo modificamos ligeramente para el CD.

Para este nuevo disco, creasteis una gran expectativa de muchas formas diferentes: adelantos en vídeo desde el estudio, temas con cuentagotas en el My Space...

Crear expectativas por Internet es siempre positivo. Hay público que nos conoce, le gusta el grupo, pero también hay muchos que no sabían de nosotros y gracias a esa difusión nos han descubierto. Facebook es una herramienta que no habíamos manejado nunca hasta ahora. Por recomendación de Mushroom Pillow nos hicimos uno y es increíble, es como el efecto dominó. Lo que dices se ramifica de una manera casi infinita...

¿El disco se ha grabado íntegramente en directo? Es lo que se da a entender con los adelantos que publicasteis en su día en My Space.

(Javier) Está grabado totalmente en directo, salvo la voz. Lo hicimos tal y como se ve en los vídeos, con esa misma disposición. Lo que se ve ahí son los ensayos generales de las canciones, justo el día antes de entrar a grabar para escuchar el sonido de la sala, cómo nos colocamos...

Da la sensación de que es un poco frío el estudio. Estáis muy separados entre vosotros.

(Miguel) El sonido es muy cálido, nos sentimos como en casa en Spuntik (Sevilla). Quizás en el vídeo no se aprecie bien por la posición de la cámara, que iba rotando. Las voces, por cuestiones técnicas, no podíamos grabarlas con el resto, porque se metía todo. Ha quedado un buen reflejo de lo que puede ser en directo el grupo.

(Javier) Lo bueno es que después, ensayando las canciones, con los mismos instrumentos claro, sonaba al disco. Creo que es la primera vez que directo y disco van tan en conjunto, aunque evidentemente haya pequeños retoques.

Sal y otras historias es el single. ¿Azar?, ¿la canción más accesible de la colección?

(Miguel) El single muchas veces... ¿qué tiene que ser un single?: ¿el reflejo del grupo, de un disco?

Quizás utilizar un single como reflejo del grupo a estas alturas no es tan necesario como en otros casos...

(Javier) Sal es una canción que creo que no hubiéramos hecho hace unos años. Para nosotros es solo la punta de lanza de las nuevas canciones.

(Miguel) Tenemos la suerte de creer que en este disco hay varias canciones que podrían ser el single de presentación. Hay veces en las que un tema es especialmente llamativo o pegadizo. Otros entran mejor en una segunda o tercera escucha. El concepto single ahora mismo no es tan importante. En Internet aparece todo el material a la vez para todo el mundo.

¿Cómo surge la idea de quedaros con esta portada?

Cuando empezamos a pensar en el arte del disco teníamos una cosa clara: queríamos que reflejara el espíritu de las canciones nuevas, la nueva actitud de un grupo que, tras superar un pequeño bajón, un parón técnico obligatorio volvimos mogollón de contentos con canciones nuevas. Los temas eran más vitalistas, más positivos... Queríamos buscar un diseño menos frío que en los anteriores álbumes, con el que, en este momento de nuestra carrera, no nos sentíamos identificados. "Juanmi", que es un pintor manchego amigo nuestro, hizo una exposición, fui a verla y me encantó el cuadro, que es gigantesco por cierto. Le propuse la idea y encantado, me pasó un catálogo y nos quedamos con esta imagen. La portada cierra, de alguna forma, este álbum, es la última canción.

Es la primera vez que no hacéis once canciones en un disco.

No sé, la verdad que teníamos más canciones pero no han terminado cuajando. También es que a la gente le gusta mucho generalizar del tipo: "Miguel siempre utiliza zapatos blancos..." claro quillo, porque no tengo otros (Risas). No somos animales de costumbres, de hecho grabamos catorce canciones, y de esas, elegimos diez que fueron las que más nos convencieron. El vinilo tiene una canción más, mira.

Volviendo a la portada, me ha costado descifrarla. ¿Qué expresa exactamente para vosotros?

(Javier) La obra se llama Come Colores. Vemos una cabeza, con dos manos un poco exaltada y una maquinaria interna. Para nosotros representa un cúmulo de cosas que van a salir chorreando de esa cabeza, porque van a estallar.

(Miguel) Le veo mucha relación con nuestra música, hay muchas historias dentro de un conjunto. En toda la obra de Juanmi pasa lo mismo, detrás del potencial de los colores hay un montón de historias pequeñas, pequeños episodios en los que tienes que fijarte, están ahí y subyacen bajo un todo vitalista y orgánico. Lo relaciono por todas esas micro historias. En cada canción en sí misma hay pequeños relatos independientes. Además, la portada impacta mucho, visualmente y rompe con nuestra estética anterior.

¿Empezáis una nueva etapa con este disco como grupo?

(Javier) Para nosotros está siendo como empezar de cero. Grabamos este disco como si fuéramos principiantes, con muchas ganas. La manera de trabajar ha sido muy diferente a otras veces, me siento totalmente renovado.

(Miguel) 2008 para nosotros fue un año chungo. Tuvimos un parón técnico por cuestiones burocráticas. Cuando conseguimos por fin tener las riendas de nuestra carrera, recuperamos la ilusión también como creadores musicales, no como burócratas. Empezamos a hacer canciones nuevas y el proceso creativo se alargó mucho. Incluso hicimos una gira improvisada el año pasado en acústico con las canciones sin terminar, algunas letras ni siquiera eran definitivas. Teníamos muchas ganas de compartir ese proceso creativo con el público, ver qué reacción tenían. Queríamos hacer solo dos conciertos en Granada y en Sevilla, pero se corrió la voz y al final hicimos dieciocho.

(Javi) Tengo todas mis expectativas puestas en esta década.(Risas)

Colaboraste con Beni, vocalista de Igloo en su tema Sin Mentiras. ¿Cómo surge la idea?

(Miguel) Amistad, les conozco desde hace años a través de Fabián, nuestro técnico de sonido. Nos hicimos colegas, mantuvimos el contacto y el verano pasado me comentaron que estaban grabando un disco nuevo y me lo propusieron. Se vinieron a Sevilla a grabar mi voz y quedó bastante chulo el tema.

Me sorprendió porque el dúo se aleja en buena medida de lo que es Maga.

Claro, pero hay que tener en cuenta que es una canción suya. Lo hice por amistad y porque me gustan las colaboraciones. Siempre que me han llamado, he acudido. Si me gusta claro, si me llama un grupo horripilante, pues no. Con Xoel me pasó lo mismo, le conocí en Madrid, conectamos, solo iba a hacer unos coros, pero en el estudio te calientas, que si una estrofa que si no sé qué... y al final quedó muy bien.

¿Qué es lo que no te llamó la atención de Madrid para volver a cambiar de residencia?

De Madrid me llamaron la atención muchas cosas, de hecho tres años dan para mucho. El primero fue de rodaje y los dos siguientes propiamente de vivir. Lo que está claro es que si tienes un grupo, tienes que estar donde vive el grupo. Pensaba que una banda a distancia se puede llevar bien y funcionar, pero no es así. Se pierde el contacto diario, que este colega venga a mi casa, toque el telefonillo y “venga quillo, una cervecita”.

(Javier) Cuando Miguel vivía aquí teníamos canciones, bocetos y aprovechábamos todos los viajes. En enero de 2009 cuando se volvió en Sevilla fue todo muy fluido.

(Miguel) Por mucho que tengas Internet, que facilita mucho las cosas, no lo niego... no es lo mismo. Son experiencias, me ha servido mucho vivir en la gran ciudad para darme cuenta de que soy mas provinciano. Para ser moderadamente feliz tendría que vivir tres meses en cada ciudad. Cuando estoy en Sevilla me acuerdo del frío de Madrid, del ambiente por las calles, pero también me pasa a la inversa en Sevilla. Todos los sitios tienen sus virtudes y sus defectos.


- (Fotos: My Space de Maga)

miércoles, 1 de septiembre de 2010

PLAYLIST SEPTIEMBRE


1.-
EELS – Spectacular girl



Siempre irregular, imprevisible, y con un talento creativo inevitablemente ligado a los numerosos golpes que le ha propinado su propia vida, Mark Oliver Everett cierra el capítulo que abrió hace escasos veinte meses con End Times y Hombre Lobo, entregando Tomorrow Morning, su disco más ecléctico y optimista, casi una cura personal compartida y celebrada con todo el mundo, para el placer de nuestros oídos. El 17 de septiembre en Barcelona, el 18 en Madrid. "I Like The Way This Is Going..."

2.- SUFJAN STEVENS – From The Mouth Of Gabriel



Con Sufjan, la sensación de que el pez chico terminará devorando al tiburón es más que perceptible. Por sorpresa, llegaba hace unos días All Delighted People, una joyita en formato EP, que apacigua la espera (porque adelantar, no adelanta nada) de su nuevo disco, que saldrá el 12 de octubre: The Age Of Adz. Y la sorpresa es mayúscula porque el EP es espectacular. From The Mouth Of Gabriel es preciosa. Pero The Owl and The Tanager, oscura y épica, también. O The
Enchanting Gosht, de lo más sinuosa. ¡Ojo!, también se puede escuchar ya I Walked, el primer single de su próximo álbum, de un rollo radicalmente distinto al EP.

3.- M CLAN – Me voy a dejar llevar



La garganta más personal del rock español vuelve c
on un single bañado de soul que sigue la tendencia innata en la banda de escarbar (con acierto) en todas las facetas del rock clásico. Quizá el adelanto no sorprende demasiado, pero el material nuevo se espera con ganas tras el imponente Memorias de un espantapájaros. Por cierto, los No Reply (la sección de viento) les acompaña en el video.

4.- JOSH RITTER – Girl In The War



El Sol abre la temporada a lo grande, con lo mínimo. Ritter, s
u guitarra acústica y su respeto al primigenio folk dylanita, al rock añejo y al blues amable, en la inaguración de la temporada de conciertos de la sala madrileña. Por cierto; Dawn Landes, su mujer, abre el concierto. Esperemos que suene Girl In The War.

5.- NADADORA – Sara dice

En My Space puedes escuchar íntegramente lo nuevo de la banda gallega: Luz, Oscuridad, Luz, a la venta la semana que viene. De las primera escuchas, nos quedamos con la espectacular guitarra de Sara Dice, con El sueño ardiendo o con Me llamaréis asesino. Y también con una conclusión: el disco está lleno de pepinazos pop de lo más guitarreros e inmediatos. Algunos, hasta atemporales.

6.- LOVE OF LESBIAN – 1999



Cual Vetusta en 2009, Love Of Lesbian se han comido
a dentelladas la escena festivalera durante 2010. Ni en sus sueños más húmedos, Balmes y su quinteto pensaron que bailarían la coreografía de Algunas Plantas durante dos años consecutivos. Y atención, que la gira interminable continúa en otoño: Sevilla, Madrid, Málaga, Zaragoza...

7.- THE NEW PORNOGRAPHERS – If You Can´t See My Mirrors



Son los invitados de excepción en el décimo aniversario del Festival Ebrovisión, y un día después actuarán en la capital. No pasan los años por la “súperbanda de Canadá” liderada por Carl Newman, Neko Case y Dan Bejar. Together no tiene la gracia (o la frescura) del Mass Romantic, pero está lleno de temazos igual: If You Can´t see My Mirrors, Chrash Years, My Shepherd , Moves... y han pasado ya muchos, muchos años...

8.- JOSE GONZALEZ – Cycling Trivialities



Otra visita ilustre pa
ra el mes de septiembre. Será el 22 en la Casa de America. Embarcado en Junip, su proyecto paralelo, será una buena oportunidad para disfrutar los temas de su gigante In Our Nature. Por si hay algún despistado, Jose es sueco, de padres argentinos. Y tiene una de las voces más cautivadoras que se recuerdan en el último folk.. Cycling Trivialities es espectacular.

9.- ANDRÉS CALAMARO– El pasodoble de los amigos ausentes

On The Rock es un gran trabajo. Aunque se haya hablado más de polémicas taurinas y las controvertidas relaciónes de su autor con las redes sociales que de las canciones que lo componen. Su autor sigue soltando diez dardos por cada cincuenta palabras que pronuncia, pero eso no perjudica a su gira española, que se espera con vehemencia y expectativa a partes iguales. Pasa por San Sebastián, Barcelona, Barakaldo, Madrid (dos noches) y Vigo.

10.- SUPERSUBMARINA – Eléctrico



Directo irreprochable y una proyección que no tiene límite. Ni una sola crítica negativa del cuarteto jienense en directo. Su espectacular gira de otoño caldeará el ambiente y anticipará un secreto que ya se puede decir a voces: 2011 será el año de la explosión submarina. Hoy se ponen a la venta las entradas para su segundo concierto en Madrid el próximo 15 de octubre. Las de la primera cita, volaron hace días...

FOTOS: EELS (http://www.eelstheband.com); SUFJAN STEVENS (http://www.sufjan.com); M CLAN (http://www.m-clan.ws); JOSH RITTER (http://joshritter.com); NADADORA (http://www.nadadora.com); LOVE OF LESBIAN (http://myspace.com/loveoflesbian); THE NEW PORNOGRAPHERS (http://myspace.com/thenewpornographers); JOSE GONZALEZ (http://myspace.com/josegonzalez); ANDRÉS CALAMARO (http://www.calamaro.com); SUPERSUBMARINA (http://myspace.com/supersubmarina)